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Arte

ARTE Y SOLIDARIDAD: LA IMPORTANCIA DE LAS VISIONES AFINES EN LA CREACIÓN (OPINIÓN)

Por Violeta García

En el presente, lo mismo que en cada etapa anterior, han existido críticos que proclaman la decadencia de las civilizaciones y la inminente muerte del arte, aludiendo a un pasado siempre mejor y ya remoto, a la par que grupos de creadores entusiastas perseveran en su trabajo con una visión casi siempre contraria a lo establecido por el sistema que les rodea.

El arte contemporáneo es uno de esos fenómenos que señalan un cambio en los paradigmas y la interpretación y que, por lo tanto, polariza las opiniones. Por lo visto, nos olvidamos de que la historia es cíclica y el arte es ruptura. Asistimos a un momento de cambio, catalizado por el vertiginoso flujo de información disponible para el público en general.

Más allá de defender o atacar alguna este tipo de manifestación es pertinente señalar que cada una es un producto de sus tiempos, y un diente del engranaje que retrata y hace avanzar a la historia, y que las particularidades de este contexto específico plantean nuevos retos para el quehacer de los protagonistas.

Una de las principales diferencias con respecto a otros momentos de la humanidad es la inmensa cantidad de recursos (tecnológicos, información y medios de promulgación, etcétera) que puede estar al alcance, si no de todos, al menos de un gran segmento de la población. Un porcentaje significativo de gente tiene acceso a herramientas de creación y difusión, así como a los datos necesarios para la educación y formación como autores.

Si bien esto puede y debe aprovecharse como una ventaja y una facilidad para dar a conocer o tener contacto con la obra, también representa una dificultad en el sentido de que, a mayor volumen, resulta más complejo conocer y analizar todas las muestras disponibles de productos culturales.

La creación de espacios independientes, el uso de las redes sociales y la inclusión de la cultura en el medio cotidiano dan pie a su diversificación, popularización y expansión. Las posibilidades se abren y el arte ya no es sólo para unos cuantos privilegiados. Las fuerzas que dictaban el rumbo y los temas no han dejado de existir: el Estado, las instituciones, la Academia, el mercado e incluso pujanzas patrióticas o religiosas siguen presentes, sin embargo, lo hacen a partes iguales con la voluntad del artista y la sociedad espectadora, y eso crea la sensación de libertad y omnipotencia: dicha cantidad de opciones crea micro ambientes o burbujas en los que la obra aparentemente ha alcanzado a un público y recibe un elogio, (no necesariamente merecido). Como todos podemos producir, mostrar y comercializar alguna pieza y quizá encontrar espectadores que reaccionen ante ella, se genera un caldo de cultivo ideal para el ego y la ausencia de autocrítica, en el que es fácil perder de vista la calidad, el sentido y contenido.

Es entonces que conviene volver la mirada a los grandes hitos del pasado: personajes de más importancia tienen en común haber convivido y sido respaldados por otros artistas, mecenas, maestros u otros con una visión similar a la suya. Es en esa solidaridad que se encuentra la crítica, la competencia, el empuje para hacer de la creación  artística un hecho significativo, dotado de un sentido más allá de la catarsis o el ejercicio narcisista.

Los talleres, los manifiestos, los colectivos, los movimientos funcionan con base en la retroalimentación, el perfeccionamiento de la técnica y el discurso, una visión similar en la búsqueda de objetivos, que pueden ser sociales, comerciales, estéticos, revolucionarios o de cualquier otra índole. Merece la pena recordar que en el encuentro se halla la fuerza para pulir cualquier trabajo y para insertarlo en una escena que se compone de tantos ingredientes, y que un enfoque ético y estético son una directriz en un cada vez más vasto universo de posibilidades.

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